Archives expositions personnelles France

Archives expositions personnelles (T)

Moffat Tadakiwa, Zero Zero

Galerie Semiose, Paris
06.05 - 17.06.2023





 







 




 

 












Texte de Jérôme Sans, commissaire de l’exposition


Moffat Takadiwa est connu pour ses œuvres aux formes organiques, créées à partir d’objets récupérés dans l’une des plus grandes décharges du Zimbabwe aux environs de Harare. En détournant des produits de consommation courante, et en leur insufflant une nouvelle vie, Takadiwa dénonce les relations de pouvoir, économiques et politiques. Entre dénonciation et sublimation, ses œuvres font écho aux résidus de la domination colonialiste, aux vestiges d’un monde ultra-globalisé, et aux enjeux écologiques de la surconsommation.











 





































































 













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Gilles Aillaud

Important



Marika Prévosto

À

sandie hatem

jul 1 à 2h10 PM

Gilles Aillaud, Le silence sans heurt du présent

En coproduction avec les Musées des beaux-arts de Rennes et de Saint-Rémy de Provence, cette rétrospective parrainée par la Fondation d’Entreprise Michelin est la première grande exposition consacrée à l’artiste depuis 10 ans. Une cinquantaine de tableaux provenant de grandes collections publiques et privées seront exposés au FRAC Auvergne.























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Exposition du 10 décembre 2016 au 05 mars 2017.
Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes – 06570 Saint-Paul de Vence. Tél. : +33 (0)4 93 32 81 63. Ouverture tous les jours de 10h à 18h.

Exposition du 10 décembre 2016 au 30 mars 2017.

Espace de l’Art Concret, château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux. Tél. : +33 (0)4 93 75 71 50. Ouverture du mercredi au dimanche de 13h à 18h.

À l’Espace de l’Art Concret, mettant en jeu le concept d’art total dans C’est à vous de voir..., , Pascal Pineau investit les espaces du Château pour en retrouver la fonction originelle, interrogeant la valeur d’usage des œuvres. Expérimentant les limites du décoratif et de l’ornemental, il ouvre un dialogue entre pièces issues de l’artisanat, du design, objets de brocante et œuvres d’art ‘proprement dites’. Ainsi, les salles d’exposition se transforment en une succession d’espaces domestiques fictifs. Cuisine, bureau, salon, chambre d’enfant, suite parentale… chaque pièce peut se percevoir comme un portrait en creux de l’artiste qui pose un regard introspectif sur une trentaine d’années de pratique artistique.

Sur l’invitation de Pascal Pinaud, Alexandre Curtet, fondateur de Loft interior designers, a été sollicité pour concevoir l’aménagement intérieur de ces espaces en dialogue avec ses œuvres, mais aussi celles d’artistes avec lesquels ce dernier partage des affinités esthétiques, comme Noël Dolla, Mathieu Mercier, Natacha Lesueur, Philippe Ramette…







Par le biais de touches de claviers d’ordinateur qui envahissent ses compositions, Moffat Takadiwa accorde une importance fondamentale au langage. Tels des sons qui se déplacent, ses œuvres mettent dos à dos deux cultures : l’une issue d’une tradition orale, et l’autre d’un paysage ultra-digital sans cesse inondé par des flux de mots. Métaphores de la culture numérique, ces touches disloquées incarnent la nouvelle langue commune de l’internet, dépourvue d’une identité géographique et culturelle, et dont le vocabulaire ne cesse de se transformer et se codifier. En désossant des claviers QWERTY tel un alphabet devenu malléable, l’artiste prend surtout pour cible la langue anglaise, symbole de la mondialisation et de l’histoire du Zimbabwe. En réassemblant en permanence ces touches, libérées de leur contexte, l’artiste démantèle ce langage pour en créer un nouveau qui lui est propre, libre de toutes les contraintes politiques, économiques et culturelles d’un territoire, comme le font les générations nées dans l’ère post-digitale.

Dans une même volonté de construire de nouveaux récits, Takadiwa s’approprie et détourne des objets issus de pays occidentaux, surtout des États-Unis, qui s’infiltrent dans les modes de vie locaux. Apparemment proche du Pop Art, Takadiwa prend comme point de départ la consommation de masse. Dans le même temps, radicalement éloignées de la mouvance pop, ses œuvres n’imitent ni l’esthétique des marques, ni les procédés de la production industrielle. Au contraire, l’artiste intègre ces produits dans des tapisseries aux motifs zimbabwéens, et s’inspire de méthodes traditionnelles africaines de tissage et de vannerie de Hurungwe. Vues de près, ses œuvres laissent entrevoir des tubes vides de dentifrice Colgate, les poils avachis de brosses à dents, ou encore les bouchons usés de bouteilles de Coca-Cola. Vues de loin, ses œuvres s’apparentent à un assemblage de pierres précieuses, à des mosaïques luxuriantes, abondantes de couleurs. D’un objet usagé, délaissé, parfois répugnant, à un objet du désir, une transformation mystérieuse s’opère. Dans un acte provocateur et triomphant, Takadiwa s’empare ainsi des conséquences d’une domination économique et politique, en les ancrant dans une esthétique somptueuse et locale, et renverse les relations de pouvoir.

Défiant la narration occidentale de l’art, ses œuvres construisent une nouvelle cartographie de l’histoire moderne de l’abstraction. Son vocabulaire visuel, caractérisé par des formes géométriques, des motifs répétitifs et des structures sérielles, pourrait s’inscrire dans une stratégie de l’art minimal, mais en le subvertissant. Comme Theaster Gates dans ses Civil Tapestries, Takadiwa charge ses matériaux de sens et renverse la neutralité proclamée du minimalisme, en imprégnant ses œuvres d’un message politique et écologique.

Tout comme Gates, Takadiwa est un archiviste du monde contemporain. Cette obsession se manifeste dans sa démarche de collecte, première étape d’un long processus nécessaire à la confection de ses œuvres. Fruit d’un travail collectif, laborieux, presque performatif, ses œuvres sont loin d’une négation du geste et d’une dépersonnalisation du processus de fabrication inhérentes au courant minimaliste ou à la production de masse. Takadiwa accorde, au contraire, de l’importance au travail artisanal, devenu presque ritualisé. À l’inverse du principe moderniste de l’automatisation qui accélère le processus de production, les œuvres de Takadiwa affirment la nécessité d’entrer dans une nouvelle temporalité, qui serait celle d’un temps lent.

Un manifeste de l’Anthropocène, ses étoffes post-industrielles évoquent des paysages urbains ou ruraux vus du ciel, révélant l’empreinte géologique de l’Homme. Ces paysages abîmés, colonisés par des objets et devenus océans de débris, rappellent le vortex de déchets du Pacifique, sixième continent entièrement constitué de plastique et dont la surface représente six fois la France. Débordantes, proches du all-over de l’expressionisme abstrait des années 1950, ses œuvres sont intimement liées à la notion d’infini. C’est l’immensité des ruines produites par l’Homme que Takadiwa laisse paraître, celle d’une masse dans laquelle l’individu se retrouve emporté, noyé. Par cette esthétique de la décadence d’une croissance économique construite sur l’obsolescence programmée, sa pratique pourrait rappeler l’archéologie fictionnelle d’un Daniel Arsham, dont les sculptures visent à transformer des éléments contemporains en fossiles pétrifiés. À la différence d’Arsham dont le travail s’ancre dans un monde historique post-apocalyptique, Takadiwa installe ses œuvres dans un paysage de la réalité d’aujourd’hui. Tel un archéologue dans un monde de déchets, il pratique la fouille recherchant sans cesse les vestiges enfouis de notre société actuelle pour en dévoiler les paradoxes.

Takadiwa enracine la pratique de la récupération dans une tradition africaine. En rappelant les marchés de seconde main, très présents en Afrique subsaharienne, ses œuvres agissent comme une métaphore du fonctionnement de l’économie à Harare. L’artiste puise surtout son inspiration dans Mbare, banlieue de Harare caractérisée par ses grands marchés, et l’un des plus grands centres de recyclage et d’économie parallèle du Zimbabwe. Pourtant cruciale à la préservation de l’environnement et à la vie quotidienne d’une partie de la population, la pratique de la récupération s’est dissipée dès la fin du XIXe siècle dans les pays occidentaux. Les œuvres de Takadiwa appellent à considérer l’hypocrisie de certaines entreprises occidentales dont les stratégies de marketing utilisent l’upcyling pour justifier un comportement souvent trop peu écologique. En s’emparant de débris et en les réutilisant, l’artiste exalte la tradition africaine du recyclage, et sublime les déchets, en faisant d’eux une nouvelle richesse à exploiter et à valoriser.

Les œuvres de Takadiwa présentent une chronique poétique de la société contemporaine. À l’heure où la menace écologique est pressante et les nouvelles technologies transforment le monde tel que nous le connaissons, Moffat Takadiwa s’empare de cette actualité, l’incarne et la dénonce, sans pour autant sombrer dans le nihilisme. Formulant une critique décomplexée du monde, mais porteuses d’une aura presque totémique, ses œuvres traduisent une préciosité et une prestance qui appellent à la méditation. En conférant aux déchets une dignité, en mêlant révolte et contemplation, elles laissent entrevoir une lueur d’espoir et de poésie face à une société fragile et menacée. Ses œuvres agissent comme des manifestes silencieux d’une révolution à venir.







  © ArtCatalyse / Marika Prévosto 2007 - 2023. Tous droits réservés

Exposition du 06 mai au 17 juin  2023. Galerie Semiose, 44, rue Quincampoix - 75004 Paris.

Tél.: +33 (0)9 79 26 16 38. Ouverture du mardi au samedi de 11h à 19h et sur rendez-vous.

Moffat Tadakiwa, Zero Zero, Galerie Semiose, Paris